Цвет как символ в живописи. Красный

Жак Луи Давид. Наполеон на перевале Сен-Бернар. 1800. Холст, масло. 261 × 220 см. Мальмезон, Париж

Красный цвет не заметить невозможно. Он один из самых предпочитаемых и выразительных. Он — первый в истории искусства, уже не говоря о хроматической шкале. Он привлекал к себе внимание издревле: и потому, что таковы свойства его природы и природы человеческой; и потому, что он ассоциируется с такими жизненно важными понятиями, как кровь и огонь. Вобрав в себя естественные смыслы, красный с ними не расстается на протяжении всей истории человечества.
Еще с древности красный выражал в основном позитивные значения, но, сбрасывать со счетов закодированные в нем сигналы опасности и боли тоже не приходится.

Ф.А. Малявин. Крестьянка в красном сарафане. Музей Изобразительных искусств Республики Карелия Петрозаводск

Оттенки красного играли немаловажную роль в обозначении императорской вертикали в Византии и преемниках ее культуры. Этикет строго соблюдался. Придворным дозволялось носить в одежде яркие детали, но право носить ярко — красную мантию и высокие, расшитые жемчугом красные сапоги, имел только император.
Жак Луи Давид. Посвящение императора Наполеона I и коронование императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 года. 1805—1808. Холст, масло. 621 × 979 см. Лувр, Париж

Сын красного и синего — пурпур, превзошел родителей в величии и иначе, как «роскошный» этот цвет не величают. Пурпурные тоги одевали триумфаторы Древнего Рима, и отголоски (точнее отсветы) его славы пережили века. Даже в Германии XVI века на красную или фиолетовую верхнюю одежду из бархата или атласа, подбитую мехом, имели право только князья.

Церковные каноны переняли лаконичность палитры предыдущих культур и вобрали основные трактовки цветов, наделив красный значениями могущества и мученичества. Красный мафорий (покрывало, ниспадающее на плечи) на голове Пречистой символизирует страдания и указывает на ее назначение — Царица небесная. Нижние одежды, как правило, пишутся голубым (знак небесной чистоты).

Микеланджело Буонарроти. Мадонна Дони Тондо. 1507. Уффици, Флоренци

Ян ван Эйк. Мадонна канцлера Ролена. 1435. Музей Лувр, Париж.

Одеяния Христа меняются в разных сценах: синий гиматий (накидка) — символ Его Божественности, а темно-красный хитон — символ Его человеческой природы, цвет священной крови, пролитой во имя спасения людей. О мученической гибели и страданиях свидетельствует и красный плащ святого Георгия, и ярко — алые одежды святых мучеников.

Иван Крамской. Христос в пустыне. 1872. Холст, масло. 180 × 210 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Рубенс. Христос в терновом венце. Государственный Эрмитаж (сюжет восходит к Евангелию от Иоанна, 19, 1-5. У Рубенса, кроме данного произведения, этот сюжет не встречается)

Красными на иконах также изображались серафимы, само название которых буквально переводится с иврита как «огненные», «пламенеющие».

Серафимы, поддерживающие престол Бога (Миниатюра XIV в. Малый часослов герцога Беррийского)

Этот тревожный яркий цвет сопровождает силы зла, адской бездны, образы греха и позора как антипод белого цвета — символа праведности и чистоты.

Архангел Михаил взвешивает души, фреска, 1150 г. Епископальный музей. Барселона

Фреска (от итал. fresco – свежий) – вид монументальной живописи, предполагающий нанесение рисунка на влажную либо сухую штукатурку (левкас). В зависимости от этого фрески делят на буон-фрески и а-секко. Это определение также применимо непосредственно к работе, выполненной таким образом. Сегодня этим термином называют любую живопись на стене маслом, акрилом или темперой.

В Древнем Риме невеста одевалась строго, в соответствии с образом Юноны: на голове — алое покрывало, символизирующее страсть, любовь и невинность невесты. На Руси девушки выходили замуж в традиционном одеянии: длинная белая рубаха с широкими рукавами, поверх нее — алый сарафан, символизировавший радость, солнце и красоту. К тому же, красный цвет одежды новобрачной должен был защищать ее от сглаза и служить залогом благополучия. В Западной Европе «готические» невесты непременно надевали на свадьбу наряд, ранее никем не виданный. Нередко даже для для невесты: в средневековье красивое платье было единственной радостью от замужества. Браки в те времена заключались как сделки, с непременным свадебным контрактом, и подвенечный убор тоже являлся частью контракта. Прописывалось, из какой ткани его следовало шить (бархат или парча), чем украшать, каким мехом подбивать (беличьим или горностаевым). Цвет убранства зависел от пожеланий семьи жениха, но особо популярными считались красный, алый или пурпурный («Портрет Сибиллы Клевской». Лукас Кранах старший). Кстати, первой в Европе рискнула пойти под венец в белом Маргарита Валуа — королева Марго (по инициативе короля(ее мужа) их брак был расторгнут).

Лукас Кранах Старший. Портрет принцессы Сибиллы Клевской в наряде невесты. 1526. Государственное художественное собрание, Веймар

Андрей Петрович Рябушкин. Свадебный поезд в Москве. 1901. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Вольфганг Гете в своей книге «К теории цвета» (1810) уже описывал красный как цвет наивысшей энергии, вызывающий ощущение «невыносимого насилия». Он полагал, что красный должен «понравиться энергичным, здоровым и грубым людям. Ему радуются дикие народы и дети».

Жак Луи Давид. Клятва Горациев. 1784. Лувр, Париж

Возможности цвета и его различных оттенков в раскрытии внутреннего мира своих героев продемонстрировал Эдгар Дега в картине «Расчесывание волос» (1896) Национальная галерея (Лондон).

Автору удалось создать впечатление пульсирующего холста, вырабатывающего гнетущее тепло. Цвет даже передает боль, и это подчеркивается тем, как хозяйка держится за корни своих волос. Так обычная каждодневная процедура превратилась в загадочное и провоцирующее действо.

Анри Матиссу, произведения которого пронизаны оптимизмом и излучают жизненную энергию, через интенсивность цвета удавалось передавать и свои мироощущения, и эмоциональность сюжета. Полотно «Гармония в красном», которое сам мастер называл «декоративным панно», изначально было задумано как «Гармония в голубом», и писалось для столовой коллекционера Сергея Щукина. Художник успел основательно поработать над холстом, но внезапно кардинально полностью поменял цветовую гамму, пояснив тем, что в красном всё выглядит гораздо красивее.
А. Матисс, Полотно «Гармония в красном» («Красная комната», Эрмитаж)

Анри Матисс. Музыка. 1910. Холст, масло. 260 × 389 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Огненно-красный цвет применялся для выражения наиболее глубоких и ярких эмоций в древнерусских иконах. Именно следуя этой традиции, Кузьма Петров-Водкин и создал картину «Купание красного коня». Есть основания утверждать, что изначально конь был гнедым (рыжим), и что цвет его мастер изменил, познакомившись с новгородскими иконами, которые произвели на него неизгладимое впечатление. К тому же, в 1912 году, когда Петров-Водкин приступил к работе над полотном, собирательство и расчистка икон переживали свой расцвет. Картина с самого начала вызывала многочисленные споры, в которых неизменно упоминалось, что таких коней не бывает. Однако, художник утверждал, что этот цвет он перенял у древнерусских иконописцев (на иконе «Чудо архангела Михаила» конь изображен совершенно красным). И если в иконописи красный символизирует высшие философско-религиозные ценности, то у Петрова-Водкина красный конь трактуется в значении Судьбы России, которую не в силах удержать юный всадник.
Кузьма Петров-Водкин. Купание красного коня. 1912. Холст, Масло. 160 × 186 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва